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Jo Hoffberg: Creo que es increíblemente importante tomar clases de baile fuera del Lindy Hop

Jo Hoffberg es, tal vez, una de las primeras bailarinas que llamó mi atención cuando empecé a bailar hace varios años atrás. Por suerte tuve la oportunidad de conocer a muchas personas de esas que veía bailar en YouTube. Pero nunca había tenido la oportunidad de tomar clases ni compartir ningún evento con ella. Este año finalmente sucedió en el Swingtiago Lindy Weekend y, si bien siempre digo que idolatrar a la gente no es bueno, no contuve todo mi ser cholulo y hasta le pedí que bendiga mi collar de Objetos Lindy. #ShameOnMe.*

Cada respuesta de esta entrevista amerita un posteo aparte, pero como las preguntas están relacionadas creía que valía la pena la longitud. Jo no sólo tiene mucho para decir, sino que tiene bastante en claro lo que quiere comunicar. A continuación van a encontrar sus ideas sobre el proceso de aprendizaje, los cambios en la escena, enseñar online, fashion, entrenamiento y más. Espero que la disfruten. [English Version available]

Jo Snap_B
Foto: Snap_B Photograph by buksil

Bailás y enseñás hace mucho tiempo, ¿dónde encontrás nueva inspiración?
En este momento estoy tomando clases de Hip Hop, Ballet, Break Dancing, Tap, House. Estoy tratando de ir a la mayor cantidad de clases que puedo para poder trabajar con otros profesionales y ser una principiante nuevamente. Siento que es un lujo ser estudiante cuando tenés otras personas creando una experiencia de aprendizaje para vos.

¿Sentís que el tiempo en el que estudiaste Psicología y Comportamiento Social te ayudó a ser una mejor profesora?
Pienso que mi tiempo en la universidad me incentivó a ser curiosa sobre otras personas y sus experiencias. Creo que haber atravesado el proceso de aprendizaje de entender cómo alguien más está teniendo una experiencia real (que es completamente distinta a la mía) me ayudó a convertirme en mejor profesora, reconociendo que aunque algo puede ser fácil de entender para mí, el desafío para otras personas es tener la idea general de lo que se está diciendo y conectar eso con su cuerpo, es decir, cómo es que traducen una idea en movimiento.
Lo que realmente vi y entendí es que los humanos son un desafío y que hay mucho más acerca del baile, no sólo lo que ves. Hay mucha emoción y actividad mental que a veces como profesora tengo que entender cómo transmitir, para que puedan conectarse con su cuerpo.

¿Te sentiste desafiada al crear estrategias para enseñar online?
Sí. Cuando mi compañero de baile, Kevin St. Laurent, y yo empezamos hicimos DVD’s (en la época en la que la gente compraba discos físicos) y el proceso fue muy nuevo porque yo no había aprendido de esa forma, entonces se sintió como una aventura, la de crear un producto que dure cierto número de años. Años más tarde, hicimos otra ronda de DVD’s y creo que esos fueron mejor, de hecho tuvieron mayor nivel de permanencia. Los fundamentos de esos videos son muchos de los fundamentos que estamos usando actualmente.
En nuestra escuela actual, iLindy.com, que fue un trabajo de amor, todavía estamos en época de prueba por lo que no tenemos aún un feedback para saber qué no está funcionando. La tecnología cambia tan rápido que algunos servicios a los que nos registramos no son relevantes al momento de llegar al mercado, hay muchos desafíos tecnológicos como la velocidad de las cosas en los distintos países y los bloqueadores de publicidades.
También ir entendiendo cómo es la fluidez del lenguaje y a veces sintiendo “¡uy! Puedo decir “followers” y “ella” cuando estoy pensando en mí misma”. Incluso sabiendo que eso puede traducirse en que estoy diciendo que followers solo deben ser mujeres, versus la idea de que followers pueden ser de cualquier género.

Kevin & Jo at the Chase por Your Crèmant
Con Kevin St. Laurent. Foto: Your Crémant


Mencionaste dos cosas que quería preguntarte: género y tecnología. ¿Creés que la escena cambió desde que empezaste? ¿Creés que nos adaptamos rápido a esos cambios?
La escena cambió mucho desde que empecé; pero empecé en una escena muy liberal. Comencé en San Francisco, California, en un entorno muy abierto que parecía querer  hacer progresar la disciplina. Desde mi punto de vista, y solo desde mi punto de vista, en ese momento la escena de Los Ángeles parecía más conservadora. En gran medida, la comunidad aún tomaba como referencia los clips de bailarines de los 40s. El hecho de que estos referentes todavía vivieran y permanecieran en la zona, le daba a los nuevos bailarines un contacto con la historia diferente del que teníamos nosotros en el norte de California. Di mis primeros pasos en el 2000, y muchos de los mejores bailarines del momento tenían también una base de Hip Hop, de modo que había muchas influencias modernas. O la gente también elegía el West Coast Swing.
La escena de la que vengo era muy abierta, no tenía mucha técnica y quería ser muy inclusiva. Cuando viajaba a Los Ángeles, tenía la sensación de que había una forma muy clara de hacer Lindy Hop – no que hubieran cosas correctas o incorrectas, simplemente, se sentía que ese era el estilo particular. Lo llamábamos el “style wars” (guerra de estilos) de San Francisco; la forma de vestir dejaba mucho que desear pero había una conexión profunda con la música, el movimiento y las parejas – incluso si solo estabas tomado de la mano -, mientras que en Los Ángeles tenía que ver con lucir de cierta forma y ser capaz de copiar. Había buenas competencias en ambas escenas, pero no se complementaban mucho en ese momento.

No debería importar cómo luzcas o cuál sea tu género, sino cómo tratas a las personas en la comunidad y cómo conectas con la pasión de la disciplina.

Si avanzamos varios años hasta el presente, creo que como tenemos más instructores profesionales que antes y solo por decir un número, supongamos que si antes había 10 instructores de tiempo completo que podían viajar por el mundo, ahora hay cientos de instructores de tiempo completo que viajan de alguna forma. Hoy hay muchos más eventos, quizás antes había entre cinco y siete al año y, en algún modo, llevaba más tiempo difundir ideas. Pero, al mismo tiempo, todo el mundo compartía en cierto grado las mismas ideas porque no había tantos lugares a los que ir. Y la tecnología existía en VHS, una cinta que solo te permitía ver un video tantas veces hasta que se arruinara.
Con el surgimiento de YouTube, surgió el desafío de que las audiencias quieren ver contenido nuevo todo el tiempo, pero para poder ser bueno en algo, tenés que practicar. Y así fue cómo cambiamos la forma en como las personas ahora consumen Lindy Hop. Una ventaja es que la gente que vive en países que no tienen una escena instalada ahora tienen acceso a información a la que antes solo podían acceder si aparecía en VHS o en DVD, ahora está en internet. Entonces, ahora, mientras tengas conexión a internet, podés aprender. A medida que continuamos avanzando desde la creación de YouTube, tenemos cosas como Instagram en donde las personas pueden publicar de forma instantánea lo que vieron en el día y pueden debatir sobre lo que se está enseñando, bailando, la ropa que están usando y los roles que están asumiendo.

Basándonos en algunas de las dinámicas de la escena en los últimos años, creo que las políticas de género están mejorando; pero todavía tenemos camino que recorrer. Las personas ahora son conscientes de su lenguaje – aunque diría que en inglés, esto es más fácil y que, como nativa del idioma, esta impresión es sesgada. El idioma inglés no tiene género inherentemente; es fácil usar “leader” o “follower” sin asignar género.
Entonces, espero que a medida que otras culturas que tienen lenguaje de género continúen empujando a la evolución de la disciplina, hagan lo mismo en su vocabulario como instructores. Y que como tales, no solamente se presenten y enseñen; que no solamente participen de las fiestas y hagan performances, pero que ayuden a crear un entorno inclusivo y que apoye a cualquier género que quiera bailar en cualquier rol, sabiendo que si estamos acá para apoyar la disciplina y hacerla evolucionar, no importa quién hace qué. Solo estamos buscando excelente control corporal y conexión con la música, pasión por la danza para mantenerla viva. No debería importar cómo luzcas o cuál sea tu género, sino cómo tratas a las personas en la comunidad y cómo conectas con la pasión de la disciplina.

Jo dando clases por Edo
Foto: Edo García

Cuando empecé a bailar, el estilo era más “show off” y siento que ahora es más relajado. Como te considero uno de los íconos de estilo en la escena del Lindy Hop te pregunto: ¿qué opinás del look Lindy Hop de hoy?
La escena ha pasado por varias progresiones – tal como en el mundo de la moda hay ciclos. Cuando empecé en San Francisco, usábamos pantalones sueltos y remeras naranja; bajo cualquier parámetro, vestíamos mal. Y en Los Ángeles, por ejemplo, veías ropa vintage con telas brillosas y con polleras con vuelo y si nosotros, en San Francisco, usábamos polleras, nos poníamos pantalones debajo, y los llamábamos skants (pants+skirts). Diría que en ese momento, éramos muy suecos.
Por un tiempo, la escena comenzó a vestir mejor, en especial después de que la locura por el Swing explotó. Digamos que fue a finales de los 90s o principios de los 2000 en Estados Unidos. Con el mundo de la moda volviendo a los 40s, comenzábamos a ver lo que llamaría “primeros hipsters” – aunque, en realidad, eran más scenesters. Vestían de la forma en que la escena se hubiera vestido, entonces podías ir a bares y ver a personas vestidas como en los 40s, con mujeres con el pelo rizado y hombres con sombreros de ala y lindos trajes. Pero no sabían bailar. Entonces la escena se dividió: si vestías bien, significaba que no eras un buen bailarín porque si lo eras, no necesitabas buena ropa.
Entonces por un tiempo, la gente empezó a venir a competencias en jeans y remeras para marcar una suerte de declaración anticultural, diciendo “no necesito estar bien vestido, mi forma de bailar habla por sí misma”. Pero creo que en algún momento, la escena se cansó, algo así como “ok, pero necesitamos que todo luzca un poco mejor”.
Ahí fue cuando muchos hombres comenzaron a usar jeans lavados, remera blanca y un saco, y muchas mujeres comenzaron a usar algún tipo de vestido – para los follows, era un poco más abierto. Y luego, de a poco, los mejores bailarines comenzaron a vestir mejor, lo que se transmitió al resto de la escena. Quizás usaban pantalones más lindos y las followers empezaron a usar mejores faldas y, en algún punto, algunas personas en la comunidad comenzaron a crear ropa o zapatos, e incluso accesorios. Cuando esto comenzó a pasar, las personas se dieron cuenta de que podían apoyar a sus compañeros al comprar esas cosas. Entonces pienso que la comunidad se unió un poco en torno al interés sobre la vestimenta y porque no tenían dónde comprarla porque mucha de ella no estaba de moda.

Debido a que se enseñan tantas horas de Lindy Hop cada semana, es importante tener información de afuera.

Cuando las personas dejaron de tratar de probar que eran buenos bailarines con su vestimenta, se sintió como si tuviéramos que tomar esto más en serio o vestirnos mejor. También empezó a surgir algo de status asociado, como diciendo “tengo tiempo de crear un look” o “tengo el ojo para esto” o “sé en qué puedo bailar” – porque hay ciertas cosas que no te permiten hacerlo bien. Por ejemplo, como followers sabemos que hay determinada altura de taco que puede funcionar para Balboa pero no tanto para Lindy Hop.

Creo que, recientemente, con las dinámicas de la escena del Lindy Hop, hay un empoderamiento de las followers, un empoderamiento femenino o como quieras llamarlo. En algún modo, y no estoy diciendo que los pantalones son símbolo de poder, el solo hecho de saber que no necesitas usar un vestido para venir y probar que sos femenina, es una declaración. “Puedo usar lo que quiera por el hecho de que soy igual de poderosa y tengo la misma presencia – y eso es lo que aporto a la disciplina”.
En muchas formas, creo que hay cierta libertad en usar pantalones porque no tenés que preocuparte por usar la ropa interior adecuada, por ejemplo, y pensar en qué pasaría si hacés un kick en una forma particular. O tener que preocuparte por una foto incómoda – una foto incómoda en pantalones es diferente a una foto incómoda en shorts muy cortos. Creo que la dinámica está cambiando y eso se traduce en todo, incluso en el calzado. Ahora vemos más botas u oxfords de baile (o como les llamen en los diferentes países).
La moda siempre te da un vistazo de lo que está pasando, de cómo es la dinámica, de cómo está la gente llevando su cabello, cómo están usando accesorios. Ahora, por ejemplo, se usan los aros más grandes y eso también se traduce en el mundo del Lindy Hop. Sin embargo, noto que suelen ser aros livianos, no necesariamente en color pero en peso. Si usas aros pesados, eso es algo con lo que podés ir a cenar o usar en tu vida diaria. Pero como bailarines, tenemos necesidades específicas para que, por ejemplo, no te golpeen los dientes. De igual forma, no usamos grandes collares que pueden lucir hermosos pero pueden lastimar a alguien. En muchos sentidos, sin embargo, la moda acompaña cómo vemos nuestro rol en la escena. Y eso es interesante de ver.

Jo & Martinas por Edo
Con Martynas Stonys. Foto: Edo García

Les hiciste muchas preguntas a muchas personas, por ejemplo, para la serie “compitiendo, entrenando, evaluando”. Quisiera saber qué le preguntaría Jo a Jo.
Oh, esa es una gran pregunta … tal vez … la pregunta sería “¿qué dirías sobre el entrenamiento?Creo que es increíblemente importante tomar clases de baile fuera del Lindy Hop. Creo que Lindy Hop es una gran disciplina, pero ¿qué más? Debido a que se enseñan tantas horas de Lindy Hop cada semana, es importante tener información de afuera. Por lo tanto, si pudiera animar a las personas a entrenar constantemente y a aprender cómo se mueven sus cuerpos, incluso si sienten que su pasión es el Lindy Hop, les diría que amplíen sus oportunidades de aprendizaje tomando clases de Tap. Ahí, pueden trabajar en su ritmo. O Ballet, para los giros, líneas u ojos y fuerza. Me gustaría animar a que tomaran clases de Hip Hop para entender cómo funciona el bouncing. Yo diría que vayan a clases de House para comprender cómo funciona el bouncing y cómo puede funcionar la velocidad. Que vayan a Popping para que entiendan cómo acentuar los momentos. Todas estas formas de baile pueden agregar algo a tu baile, pero para eso necesitas expandir tus habilidades, aunque sólo lo necesites durante dos segundos. En cierto modo, llevaría toda una vida. Pero eso es lo que hace que bailar sea siempre interesante.

Preguntas a 240 bpm:

  • ¿Zapatos o zapatillas? zapatillas
  • ¿Paso preferido de Authentic Jazz: squat charleston
  • ¿Competir o hacer una performance?: hacer una performance
  • ¿Otro estilo de danza que no sea Lindy Hop?: popping, por ahora

Bueno Jo, ¡muchas gracias!
¡De nada!

Con Jo

Agradezco en esta ocasión a Cecilia y Lucía que me ayudaron con la traducción y revisión de este artículo.

Abrazos,

O.

*En este texto se utiliza el género masculino para indicar plural apelando, en primer lugar, a la economía del lenguaje y, en segundo lugar, para facilitar el uso de la opción de traducción automática. Sin embargo, entiendo que al hacerlo se invisibiliza la presencia de los géneros femenino y binario, los cuales también está contemplados en el relato realizado.

3 comentarios sobre “Jo Hoffberg: Creo que es increíblemente importante tomar clases de baile fuera del Lindy Hop

  1. Hola!!! Me encantó la nota, estaría bueno si dejaran la palabra “bouncing” en vez de rebote, ya q el término es compartido en todas las danzas con raíz afro.
    Es uno de los nexos fundamentales entre los diferentes estilos y épocas, lo q lleva a entender la continuidad socio histórica del jazz como lenguaje.

    Abrazo de. Gol

    Me gusta

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